Marlon Morales, Lil Supa o Lou Fresco, todos son nombres que identifican a uno de los referentes del hip hop más destacados en Venezuela. En este caso, luego de más de 15 años de trayectoria e innumerables discos y colaboraciones con artistas nacionales e internacionales, ha decidido mostrar un proyecto mucho más personal, un proyecto que lo persigue desde su juventud y que llevó a cabo en medio del confinamiento en casa, con un bebé que cuidar y un teléfono celular como herramienta clave para la grabación; de esta manera nació NEØN, el tercer “personaje” de Marlon, Lil Supa y Lou Fresco, esta vez desde un lado más íntimo, futurista e influenciado por sus gustos que parten desde los años 90’s.

NEØN marca una nueva etapa para la carrera del artista, abriendo paso a una línea musical mucho más profunda, tan profunda que los títulos de cada canción expresan una emoción y sensación humana.

En una conversa de más de una hora y treinta minutos, conocemos a un Marlon que se identifica como Lil Supa, Lou Fresco y NEØN, tres personalidades musicales diferentes que tienen un mismo punto de partida, una persona que tiene a la música en su vida desde la época del liceo y tocaba instrumentos de percusión.

¿Sientes que tu trabajo en el diseño ha sido clave para la conceptualización de tus discos?

– Sí, por supuesto. Yo estudié diseño gráfico e hice un par de niveles de fotografia, y de tipografía; desde mis inicios, mi inquietud por el diseño viene en parte también del graffiti, que me ha dado de alguna u otra forma esta afición por la tipografía, la morfología de las letras, la estructura y estética. Entonces sí, creo que desahogué esa inquietud en mis estudios de diseño gráfico. Lo estudié en Maracay y me considero un comunicador visual; incluso, antes de comenzar a entender reglas y un montón de fundamentos del diseño, el graffiti me llevó a eso, a esa necesidad de plasmar ideas en lugares públicos y que la gente pudiese conectar directamente con lo que se está comunicando en las paredes.

En el momento en el que la música se convierte en el sustento de vida, de forma muy natural comencé a integrar estos estudios académicos en música, tanto en los créditos de los videos, las tapas de los discos, la fabricación en impresiones serigráficas en los primeros discos y todo esto lo hacíamos desde el principio, incluso antes de que entendiéramos que esto nos podría dar para vivir. Mis primeros discos como SUPREMACY (2004), BAS.Y.CO (2006) e ÍNDIGOS (2008) junto a Canserbero, son discos que nosotros mismos diseñamos y nos encargamos de imprimir.

A finales de 2010, realizaste un show en Argentina donde al menos 350 personas con mano arriba te coreaban “Tú eres hip hop, yo soy hip hop” y fuiste de los primeros raperos venezolanos en ese momento en lograr la internacionalización. Diez años después de ese suceso ¿Cuál crees que fue la clave para ese logro? Dado que ahora tu música ha llegado hasta otros continentes y te has convertido en un referente del hip hop en Latinoamérica

Sí, eso fue fruto del trabajo incesante que nos caracteriza. Hace esa cantidad de años, esa presentación fue exactamente en el Flow Fest en la ciudad de Buenos Aires, y representaba la primera tarima internacional de mi trayectoria como artista; Obviamente los nervios estaban allí muy presentes ¿no?, te estoy hablando de que el proyecto que estábamos presentando en ese momento se llamaba Madzilla, que era el primer mixtape y nos tocaba exponer en términos internacionales, y este momento que dices, ocurrió a lo último de nuestro show y marcó un sentido de propiedad que tiene el público argentino para con mi trabajo. Yo te podría decir honestamente que, tal vez uno de los más queridos y respetados artistas venezolanos en la Argentina es Lil Supa. Esto marcó en nosotros también una reciprocidad y agradecimiento hacia el público de ese país, porque fue nuestra primera tarima internacional, e intentamos repetir cada año por allá, para llevar lo nuevo, lo clásico, etc.

Si mal no recuerdo, esto representaba también la primera salida de uno de los integrantes de Básico hacia el extranjero. El primero de mi generación, por llamarlo de alguna forma, que salía del país. Te estoy hablando que en mi grupo habían personajes como La Zaga, Canserbero, RayOne, etc. Era el primero de esta camada que salía gracias al trabajo que se hizo, y también se le presentó la música de todos mis hermanos, a aquellos que nos conseguimos afuera en este viaje, porque pasaron par de años para que el resto de mis compañeros en Básico comenzaran a rendir frutos en el extranjero también. Y bueno, después vino toda una ola de internacionalización que marcó mi hermano Tirone (Canserbero) que se convirtió en el referente más grande del rap, no solo en Venezuela, sino también en Latinoamérica. Humildemente, este suceso que comentas aportó muchísimo a esta posición que tuvieron mis hermanos después.

¿Recuerdas un poco cómo fue ese primer contacto cuando te enteraste que viajarías a Argentina para presentarse en el Flow Fest?

Para ese entonces, nosotros estábamos colgando nuestra música en MySpace, Soundcloud y algunas piezas en YouTube, pero te estoy hablando que eran videos de resumen, no era nada formal; el contacto llegó después de que nosotros sacamos nuestro Mixtape, y un par de meses después, la reacción fue bastante inmediata de parte de la organización del evento que tenía gente satélite en Bogotá, y fueron ellos quienes nos hicieron la gestión para que nosotros pudiésemos formar parte del cartel. Teníamos en ese entonces una representante que operaba desde Bogotá y nos hizo el puente para participar en este festival que participaba también Psycho Realm y Nach Scratch, que para nosotros en ese momento eran referentes que estaban ya en otro nivel. Era un honor y también representaba un reto porque cuando te enfrentas a figuras de este calibre, sabes que tienes que hacer un trabajo excelente y dar la cara. Recuerdo que éramos los únicos venezolanos en ese festival, y no solo estábamos representando a Madzilla, sino también a nuestra bandera.

Una de tus metas como artista era llegar a Japón; lo lograste y hasta grabaste un videoclip en dicho país, pero ¿Lograste presentarte en Tokyo y Kyoto que fue donde estuviste presente?

Tuvimos dos shows, uno en Tokyo, y otro en las afueras en un pueblito que se llamaba Hachiōji, y durante ese segundo evento fue que hicimos algunas tomas en el video de 99’ (2016) donde presentamos como una especie de mini documental de nuestro código de vestimenta, y tiene testimonios de un coleccionista y vendedor de ropa en Nueva York, porque el resto del registro visual que hicimos nosotros lo depositamos en el proyecto Luz (2017).

La primera presentación fue bastante curiosa porque era en marco de una fiesta de los amigos de Soulection, un colectivo que pone música en Soundcloud desde hace muchísimo tiempo, y esta fiesta tenía invitados de todas partes del mundo; o sea, te podías encontrar que al inicio de la noche había una artista de Bossa Nova y luego venía un grupo francés, luego nosotros y así sucesivamente. Era una fiesta de variedades.

La segunda presentación en el club de Hachiōji sí era netamente hip hop y era super estricto el ambiente. Había gente compartiendo vinilos, todo el mundo vestido como en los años 90, cosa que tenía muchísimo tiempo sin ver, a excepción de escenas como la de Chile que son super raperas, pero por ejemplo acá (Venezuela), la gente no se viste así a lo XXL, o las marcas de antes, y fue bastante curioso ver ese ambiente en medio de los japoneses.

Ese viaje fue exagerado a nivel de información, el shock cultural, la cantidad de vivencias que tuvimos en esos 14 días. Tomamos todo el registro visual posible y aparte tuvimos que sentarnos y tener contacto con la escena hip hop de esa parte de la isla, así que fue súper redondo ese viaje. Lo único es que no ha aparecido el registro film, porque grabamos con el material del show de Hachiōji, pero estamos tratando de dar con ese material para el documental que tenemos planeado lanzar a final de año, y rescatar y colocar así sea par de minutos de esa presentación, porque para nosotros significó mucho. Lo único que hay de registro en redes, son las fotos en el escenario que yo iba publicado en tiempo real, porque la diferencia horaria me permitía publicar cosas que estuviese viviendo allá a altas horas de la noche y que acá siguieran siendo noticia.

Entiendo que una de las colaboraciones que más te gustaría hacer con artistas venezolanos, es con Arca. Ambos tienen un estilo musical muy diferente ¿Cómo crees que sea la fusión musical entre Arca y tú?

Pasa que yo no la veo a ella solo como intérprete; yo la conocí a ella por su trabajo de producción, y aunque parezca que está muy lejos, no está tan lejos, porque la descubrí en la producción de un álbum de Kanye West, que es un referente no solo para el pop, sino también para el hip hop. Entonces sí, hay un punto de encuentro, sobre todo en términos de producción, y un fondo entre la música que hace Arca, la que produce, y la nuestra.

Yo buscaría un punto de encuentro en términos de líneas sonoras que sea coherente con la producción de ella y mi producción. Arca es una artista que respeto muchísimo. Ahorita mismo ella está en una búsqueda un poco diferente, en su último disco (KiCk i) lo pude notar, sin embargo me parece que no pierde el sello que la caracteriza. Yo en lo particular, me quedo con su disco de 2017 (Arca).
Resulta que justamente mi mayor referencia que es Serio, un álbum que hice audiovisual, lo publiqué también en ese año, y me pareció muy curioso y halagador que en las reseñas de otros medios como Rolling Stone o Vice, estaba allí mi disco junto al de ella siempre, en los rankings, en los tops; y no solo halagador, sino que me parecía que en lo personal había logrado un trabajo que superó mis expectativas, porque si bien mi trabajo está dirigido al hip hop, pero que me comparen de alguna u otra forma con lo de Arca, es un punto de superación en mi carrera. Desde más o menos ese año, estoy intentando abrir una brecha de comunicación con ella, pero obviamente necesito presentarle una propuesta que esté a la altura y que sea coherente. Yo aspiro que con mi personaje y el proyecto NEØN pueda acercarme un poco más.

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Sobre el disco:

¿NEØN es ahora tu tercer “personaje” dentro de tu vida artística?

Fue concebido de esa forma, como un personaje aparte de la carrera de Lil Supa y Lou Fresco. Creo que se dio el momento para desarrollar el discurso: pude reunir el equipo que posibilitó el lanzamiento de este proyecto, reuní a los desarrolladores audiovisuales y le dimos forma todos en conjunto. Por eso también creo que NEØN sería un tanto egoísta considerarlo solo como yo; o sea, yo soy el que conceptualizó y escribió su discurso, pero NEØN es todo ese conjunto, energías y sonidos, así que decidí firmarlo como una forma de energía y esa barra de luz que es el ícono de la portada.

Este es un concepto que llevas unos años pensando ¿Por qué decidiste que el confinamiento era el momento adecuado para darse?
Bueno, más que decidir, se dio así. Como bien decías, tengo desde la salida del álbum Serio, maquinando esta estética sonora, solo que no me parecía coherente con la línea musical de la que venía, tomando en cuenta que tenía que hacer shows del disco anterior, etc. Entregarme un proyecto como NEØN, iba a ser bastante difícil en medio de shows y en la defensa del proyecto anterior. Progresivamente fui dándole forma, y otros proyectos también me sirvieron para depositar energía de lo que es NEØN. Por ejemplo en El Dojo, que el año pasado sacamos el disco doble llamado Worldwide, allí deposité energía de NEØN en un par de tracks. Otro EP que se llama Wiz que hice con un amigo en España llamado N-Wise Allah, le deposité mucho en el tema Interestelar que tiene mucha estética.

En todo ese proceso, me reuní con mi hermano Willie DeVille en México y tuvimos una gira por el sur, y nos tomamos la tarea de grabar un EP, que sirvió de perfecta antesala que se llama AMVISION (2020), y lo firmamos bajo el nombre de nuestro dúo #VISIONBROS. De hecho, el mismo diseñador del proyecto AMVISION y de la carátula de Worldwide, fue quien hizo todo el desarrollo gráfico del proyecto NEØN, entonces todo esto amarra y fija el origen de donde viene y de donde comienza esta historia. Sin mencionar que en 2018 presenté un ensayo fotográfico de la ciudad de Caracas, bajo una estética un tanto distópica, pero con imágenes de la actual Caracas, que se llama Hecatombe, que estuvo muy inspirada en la película que acababa de salir que era el remake de Blade Runner.

Si NEØN tuviese que ser la banda sonora de una película ¿Cuál sería?

Yo me influencié de demasiadas películas, no necesariamente de una sola. Yo creo que los años 90 para mí y mi generación marcaron nuestra existencia y todavía quedan vestigios de eso en nuestras acciones de hoy en día. Películas como Total Recall, Matrix, tiras cómicas como Halcones Galácticos hasta Thundercats, y podría decir millones de referencias que fueron formando esta musicalidad. Si nos vamos a algo un poco más de esta década, puede ser Gravity, Blade Runner, o en todas las películas donde participe Cliff Martínez en la banda sonora. Me fijo muchísimo en esos matices musicales.

Creo que no necesariamente tendríamos que plantearnos una película futurista, porque películas como Drive y Only God Forgive sostienen muy bien estos sonidos, y partiendo de esa premisa, también establecí el cortometraje que titulamos Vértigo / Ego, con personajes de la vida real y problemas de nuestro presente, y no necesariamente en escenarios de ultra tecnología.

¿Cómo fue el proceso de pensar, conceptualizar y grabar un disco desde casa, con un bebé pequeño que cuidar al mismo tiempo? Edmary, tu esposa, comentaba que muchas veces debía bajar a pasear, para tener el momento de grabar los temas con tu teléfono.

¡Jajajaja! La verdad fue bastante inusual por llamarlo de alguna forma, no se parecía nada a mi experiencia en estudio.

Por ejemplo, para la captura de los Ad-libs, que decidí que en este caso debían ser bastante teatrales, Edmary tenía que bajar al bebé porque estaba gritando un montón de frases y era asustarlo un poco, como que “¡Mierda! ¿Qué estará haciendo mi papá ahí?” y dentro de su universo eso lo iba a confundir un poco. 

Entonces a tal hora del día, si me tocaba capturar alguna voz, yo me quedaba acá utilizando esa media hora o período de tiempo corto que no estaba para aprovechar de grabar recursos para el disco. Pero fue increíble, porque dentro de estas limitaciones que siempre coloco entre comillas porque para nosotros, fue todo lo contrario ¿sabes? no nos limitó, sino que más bien nos condicionó y nos enseñó por donde era el camino, y fue un proceso bastante rápido tomando en cuenta que estábamos a distancia. Podía pasar horas y horas en conversaciones por  WhatsApp o llamadas telefónicas corrigiendo audios, aunque conocemos las redes de acá y las condiciones de acá que no nos permiten que a veces las conexiones no sea tan fluida, y estar escuchando una canción con ese delay y tratando de atajar correcciones a través de esos audios, puede ser una locura.

Pero bueno, finalmente gracias a Sanabria que decodificó todas estas inquietudes y que entendió a la perfección esta visión que yo tenía y como imaginaba el proyecto, logramos este resultado que superó nuestras expectativas, y que estamos sumamente orgullosos de haber logrado no solo materializar la idea, sino de esa forma y poder recrear esas atmósferas de esa época a la que nos estábamos refiriendo y las texturas que ellos lograban con todos esos equipos analógicos.

La verdad estoy sumamente agradecido y sorprendido de cómo ha sido la recepción de este proyecto y el respeto que le han tenido al planteamiento de que es un nuevo personaje y que no es ninguno de los que antes conocían, sino que es un nuevo heterónimo que le dieron ese espacio considerando la diferencia que hay en este sonido y los otros que me caracterizan, lo tengo que valorar y agradecer muchísimo.

¿Había cierto temor o intriga de qué manera iba a digerir el público este material? Sabiendo que es un proyecto que se diferencia del resto de lo que has hecho anteriormente, y que no es el Lil Supa o Lou Fresco que ellos conocían

Suene como suene, no me detengo mucho a pensar en lo que piense ni siquiera mi círculo cercano de colegas, ni del género donde me desenvuelvo cuando desarrollo mis proyectos. Creo que va mucho más a satisfacer una inquietud propia y a cumplir una meta personal en cuanto a alcanzar determinado sonido, o hacemos alguna propuesta audiovisual.

Lo mismo pasó con NEØN, y debo confesar que es mi proyecto más íntimo y personal, porque viene de una inquietud de mi niñez, no viene de la inquietud de la calle ni del rap; son matices de películas y dibujos animados que vi desde pequeño y que estaban allí y siguen estando en mi presente y que no los había trasladado a  música. Por eso fui paulatinamente desahogando eso en otros proyectos, con respeto a los otros personajes. Yo hice un esfuerzo para que se entendiera también que este no es Lou Fresco ni Lil Supa rapeando en estos ritmos, sino que es otra forma.

Estás preparando el showcase de NEØN ¿Qué tienes preparado para ese show? ¿Cómo se va a llevar a cabo?

Estamos ahorita preparando el guión técnico, considerando todas las especificaciones que debemos trasladar a la productora –que es Quinto Piso– para llevar a cabo, en la medida de lo posible, la visión que yo tengo de la presentación de NEØN, sabiendo que jamás ha ocurrido.

Vamos a hacer una presentación histórica, porque puede que sea la primera y única presentación de NEØN en este formato virtual, y ya luego podamos trasladarnos a un formato físico. La verdad no sabemos, por ser una experiencia que nunca hemos vivido, ni tampoco el público, pues creo que es super necesario estar al marco de esta circunstancia que es el confinamiento; además, el disco se hizo en confinamiento y vio la luz en confinamiento, entonces todo se da para que también se haga la presentación en vivo y en confinamiento.

Hay que tomar en cuenta que este show que estamos planificando, se contó el despliegue técnico que requiere, no es una presentación en la sala de mi casa con mi laptop ¿Me entiendes? Vamos a regalarles unas fotografías y unas imágenes con un planteamiento visual potente que merece el proyecto, no desde mi casa.

Estamos comunicando de la mejor manera, para que el público entienda también que esto representa una inversión importante de parte nuestra y que esto es lo que motiva al hecho de que estemos cobrando un cover por ser una presentación exclusiva, ya que no es que se va a publicar en dos meses, porque no será así.

Las entradas al show pueden ser adquiridas a través de goliiive.com

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Sobre sus colaboraciones:

Dan Niggaz y Afromak ¿Por qué fueron tan importantes en tu carrera al comienzo?

De hecho ellos son una de las patas de la mesa del personaje: Lil Supa. Debo decir que en el 2002 nosotros fundamos lo que se conoce como Supremacy, mi grupo base. Mi primer disco publicado en 2004, fue junto a Afromak y Dan que se llama Simplemente Underground. Ambos son mis amigos y hermanos mayores en la música, y son responsables de mi motivación para seguir. El hecho de que me lleven un par de años y sigan hoy por hoy, a mí también me levanta cuando necesito un poco de ánimo, considerando que no siempre estamos en plena forma, o en una abundancia creativa. De hecho estamos planeando algo para celebrar nuestros 20 años de grupo.

 Ya son 12 años desde aquel disco colaborativo junto a Canserbero titulado CAN+ZOO (INDIGOS) ¿Cómo recuerdas esa colaboración? ¿Alguna anécdota que quieras compartir sobre ese año donde se elaboró?

Después que nosotros grabamos el compilado BAS.Y.CO en 2006 aproximadamente (que fue mi primera colaboración con Canserbero), yo emprendí un álbum solitario porque Dan para ese momento tenía algunos compromisos y estaría alejado un poco del panorama musical, así que comencé este álbum y tenía planes de sacarlo en 2007; era un proyecto súper interesante, porque desde nuestra propuesta se entendía que estaba bastante alejado de lo que estaba sucediendo en el hip hop venezolano, que tenía un matiz mucho más violento o callejero, y nosotros no solo estábamos defendiendo a la calle, sino tratando de aportar un poco más al mensaje positivo y hacer esto que terminó llamándose rap consciente, que hoy por hoy, considero que todas esas etiquetas que se le otorgan a la música, desvirtúan un poco el proceso. 

Pero bueno, yo estaba desarrollando el álbum que contaba con la colaboración de Can, Reke y Apache, y otra colaboraciones con artistas como Rxnde Akozta, pero se nos perdieron los archivos y nos piratearon las maquetas y las subieron a Ares sin procesos de mezcla ni nada; fue bastante frustrante perder par de años en mi primer disco solitario que llevaba por nombre Fundamental. 

Me vi en una especie de luto, era mi primer hijo, mi primer proyecto solo que pude elegir mis beats, mi letra, los colaboradores que yo admiraba, que para ese entonces estaba en cierta forma divididos por la opinión pública, porque yo respeto y siempre he respetado el trabajo de todos mis colegas en el rap venezolano, pero por alguna idea o por un comentario en algunas canciones, se suponía que nosotros no íbamos a cruzar camino con figuras como Rekeson, y nada estaba más alejado de esa realidad que lo que estaba sucediendo, que era reunir todos esos elementos en un solo disco.

Luego de que ocurrió eso, yo decidí renunciar a ese proyecto y comenzamos a grabar temas en conjunto Tirone y yo, y en vista de que él no tenía todavía una publicación formal, decidimos en conjunto que este sería el primer proyecto para presentar de alguna forma en la escena de hip hop venezolano, porque ya estaba allí participando en el álbum de Básico y par de maquetas por allí, pero toda Venezuela no sabía que existía Canserbero y yo creo que fue muy importante no solo que fuese un disco colaborativo su primera publicación, sino que de alguna u otra forma, Índigos marcó un antes y un después de cómo era vista la escena hip hop del interior del país, fuera de la capital, porque es una realidad que en Caracas nacieron los primeros grupos en la primera movida de rap y este disco le dijo a la escena de hip hop venezolana (y como consecuencia de eso del hip hop latinoamericano) que Maracay tenía el nombre de Canserbero y Lil Supa.

Gracias a este proyecto pudimos tomar la batuta de nuestra ciudad y con el apoyo de Dan, Afro y muchos colegas, llevamos con orgullo esa bandera que obviamente inspiró otras generaciones, que a partir de eso nos encontramos con personajes como Akapellah que también representa a la ciudad, y ese es el verdadero legado que pudo haber tenido ese proceso por el que pasé: de abandonar un disco en solitario: y concentrarme en un proyecto a dúo con Can, y que sirvió como punto de partida para lo que terminó convirtiéndose el nombre de Canserbero para el hip hop en Latinoamérica, y tener secuelas como Akapellah, la misión fue cumplida. El sacrificio de una idea derivó esa otra inquietud y terminó teniendo resultado más trascendentales, y es algo que agradezco muchísimo.  Todo partió simplemente de una amistad muy sincera, los dos estudiamos en el mismo instituto de tecnología; allí comenzamos a convivir y empezamos a ir al estudio y gracias a eso nació esa inquietud de hermanos que venían creciendo en la música, que tuvieron sus diferencias como hermanos, y como hermanos se reconciliaron, y como hermanos se pudieron reencontrar en una tarima; lamentablemente luego pasó lo que pasó y eso queda en mi recuerdo como ese último reencuentro de los índigos que sí se pudo dar gracias al tiempo, que creo que es el que nos enseña los caminos y nos pone a dónde deberíamos ir. Allí en mis recuerdos y experiencias queda mi responsabilidad por seguir teniendo también el nombre de Canserbero en alto, y que sea intocable la figura de Tirone para el hip hop latinoamericano.

Nosotros si bien hacíamos parte de lo mismo, también oíamos las comparaciones entre nosotros mismo, y creo que es injusto e irrespetuoso incluso, porque yo creo que la figura de Canserbero en lo que representa para el hip hop hispano parlante es intocable y es eterno.

 ERA marcó el regreso de Lil Supa junto a RayOne, luego de al menos 10 años desde la publicación del mixtape Como en los 90’s; ¿Ese reencuentro como se llevó a cabo? ¿Fue de manera genérica o ya se tenía pensado?

Ray es mi hermano, yo lo conozco desde hace como 15 años y ha formado parte de mi vida, aunque no esté tan activo en la música o no colaboremos tanto de alguna forma, pero él me comentó que se le volvió a despertar ese hambre de hacer música, y vi super idóneo el hecho de que grabáramos algo juntos para marcar ese regreso de Ray.

Este proyecto para nosotros resulta sumamente natural, porque es como nosotros hablando de nuestras cosas en la sala de la casa. No es más que eso. Es una colaboración entre hermanos que se conocen y que tienen una complicidad que no la tienen todas las duplas de rap, y nosotros necesitábamos un poco de eso: reencontrarnos en un proyecto, y ERA fue el nombre idea, porque precisamente Ray para la movida de hip hop venezolano es eso, una era, una leyenda del graffiti venezolano; de hecho su antiguo crew se llamaba “Era”. Tiene mucho significado este nombre.

De hecho, tuvimos una presentación de ese proyecto aprovechando el marco de mi visita a España, Madrid, junto a Akapellah. Fue como el regreso a las tarimas de Ray.

¿Puedes mencionar recomendaciones musicales y de películas que has visto y escuchado durante el confinamiento?

Películas:

  • Uncut Gems
  • The Gentlemen

Documental:

  • The Black Godfather 

Serie:

  • Dark 

Álbumes:

  • The Weeknd – After Hours
  • Westside Gunn – Pray For Paris
  • Tame Impala – The Slow RushDrake
  • Dark Lane Demo Tapes

Bonus:

  • Anelka: El Incompredido (Documental)