El productor, abogado, manager y guitarrista venezolano, Enrique Márquez Paris, mejor conocido por su proyecto solista PAARIS, pisó el 2021 tras un buen feedback obtenido, no solo con su EP Nora del 2020, sino también por sus proyectos, sus conocimientos aplicados en la industria musical y todo lo que ha absorbido viviendo en el sector cultural estadounidense. Recién acaba de estrenar su EP de cinco canciones, Valhalla, cargado de elementos del rock/metal progresivo, que contó previamente con el lanzamiento del video musical de Polaris, con énfasis en las estrellas, y este material que vino acompañado del tema Flow, en compañía de la británica Sophie Burrell.

Recordemos que, el guitarrista caraqueño comenzó su vida musical en Caracas, donde formó parte de bandas como Punk Society, Primera Edición y Fauna Crepuscular. Luego, tras mudarse a Los Ángeles, comenzó a formar parte de la agrupación californiana Dankrupt. En la escena musical venezolana, aún trabaja con profesionales paisanos como Rudy Pagliuca, Anup Sastry, Carlos “Topo” Maseda y Rodner Padilla, así como también ejerce de manager de Malanga y La Vida Boheme. Con su experiencia en el exterior, PAARIS ha logrado estar lado a lado con muchos más artistas y grandes empresas, y actualmente ocupa un cargo en Spotify.

Hoy conversamos con él sobre su proyecto solista, pero ¿que nos tendrá el guitarrista preparado para más adelante? ¿qué enseñanzas ha adquirido tras trabajar tan cerca de la industria musical norteamericana? En conversaciones con el músico hablamos sobre todo esto y de experiencias anteriores, gustos musicales, mensajes detrás de su música, entre otras cosas.

Tus temas se caracterizan por el alto enfoque a la guitarra y en cómo ésta simula la voz en las canciones. En el caso de Polaris, ¿cual es el mensaje o historia que se quiere contar con ella? 

Polaris, más que una historia, fue como un experimento, porque fue la primera canción que realicé con una guitarra de siete cuerdas; siempre he tocado guitarras seis cuerdas y esta vez decidí experimentar, y hacerlo me abrió un mundo de posibilidades nuevas, lo cual, dentro de eso, la primera canción que empecé a tocar fue Polaris. 

Le puse ese nombre porque la relaciono mucho con el momento en que la compuse, que era de noche, y me acuerdo que también estaban pasando una película por la televisión que trataba sobre el espacio, sobre vivir en otro planeta, y básicamente la dirección que salió fue esa, Polaris, que viene de la estrella Polar (o Polaris), la estrella más brillante de la constelación de la Osa Menor. Ahí empezaron a  hablar de la estrella, me dije “hey, esto es interesante” y  la termine desarrollándola.

¿Cómo fue el proceso de grabar y terminar de plantear la idea para el video musical? Por lo que nos dices, vemos que la idea principal fue tuya con el enfoque a las estrellas ¿tienes algún interés particular por lo espacial? 

Sí. Lo que quería hacer con este video era seguir con la línea visual que venía trabajando desde mi video anterior, Luna, que juega mucho con las luces y la interpretación del instrumento, y lo que quería lograr era darle un lado un poco más sobrio, más honesto y más sencillo, para que tuviera también esa misma paleta de colores. También me afinqué mucho en las luces, algo que me gusta mucho y trato de que sea bastante característico de mis canciones y mis videos (a pesar de apenas sea el segundo que hago).

Todo esto lo desarrollaron: Carmen Moreno, una increíble directora, ella con la cámara es una genio y me encantó lo que hizo con la cámara; Francisco Quijada, que también es un gran amigo mío y, por casualidades de la vida, terminó produciendo el video y fue de gran ayuda. Él vino de la nada como “ven, yo te puedo ayudar” y terminó siendo básicamente el productor del clip; y también estuvo Carlos “Topo” Maseda, mi gran amigo del alma, quien nos echó una mano gigantesca en la edición. Fue un pequeño equipo de tres que logró un trabajo que me dejó muy felíz.

Y con respecto al gusto con lo espacial: ¡completamente! porque siento que mi música me recuerda al espacio. Siento que también es porque la gran mayoría de las veces compongo las canciones de noche, y tengo ese feeling del espacio, de las estrellas, de la luna, de todo esto que me hace llevarlo hacia allá, creo que es porque me identifico mucho por eso. También, por ello, trato de reflejar lo que sentí en el momento de componer la canción o lo que me imaginé con la parte estética.

Exploras sonidos nuevos y distintos entre tema y tema según tu inspiración, entonces. 

En este EP se refleja una evolución de mi música y de mi EP anterior. Adicional a eso, cuento con dos personajes que son muy relevantes en la industria, una es Sophie Burrell, una guitarrista británica que es una prodigio del instrumento, y el otro es Jason Kui, un guitarrista internacional increíble, que también se le conoce como uno de los guitarristas más prestigiosos de este mundo. Fue un honor tener una colaboración con él. También conté con el trabajo de Anup Sastry en las baterías, súper conocido a nivel mundial por su trabajo con el instrumento. También aparece Rodner Padilla, bajista venezolano, productor y ganador de Latin Grammy, y Joey Izzo, que es un gran músico de la escena progresiva en los teclados. Al final, estoy muy contento de tener a este grupo dentro del EP, y espero que la gente que lo esté escuchando, le gusten estas colaboraciones y este nuevo sonido que estoy implementando.

¿Cómo dirías que se diferencia este proyecto de los anteriores? Dígase Primera Edición y Fauna Crepuscular, que eran tus bandas en Venezuela.

Creo que aquí lo que más se nota es una evolución en cuanto al sonido, en la composición, en la manera de interpretar las canciones. Creo que es una buena continuidad de todo lo que he estado haciendo con una evolución adicional en cuanto al instrumento. En este nuevo EP hay dos canciones hechas con guitarras siete cuerdas, cosa que no había incorporado hasta el momento y creo que demostrará mucho esta nueva dirección que estoy tomando ahora. 

Hablando de temas anteriores, sobre tu tema 2020, explicaste que era una canción compuesta originalmente en el 2010, pero ya trabajada el año pasado y por eso fue que le cambiaste el nombre. ¿Sigues teniendo canciones “en el baúl” que todavía no has trabajado y piensas hacerlo más adelante? 

Casualmente de este EP, la canción que estrené es una canción que abre con un riff que compuse hace muchísimo tiempo (como hace unos tres o cuatro años) como propuesta para mi banda del momento, Dankrupt, pero al trabajarla nunca llegó a nada y a ellos como que no les gustó mucho. Dentro de todo este interín de andar grabando y produciendo full con el disco nuevo, pues me vino ese riff a acotación y me pregunté: “¿qué pasa si  compongo algo a raíz de esto?”. Antes de comenzar, lo hablé con la banda primero, planteándoles que nunca hicimos nada con ese tema y que por eso quería trabajarlo por mi cuenta, a lo que me respondieron que sí, que podía hacer lo que quiera, y así quedó. Terminó siendo, de nuevo, una evolución. 

Siempre creo que es importante dejar ideas en el baúl por un tiempo porque, de repente, no son para el momento adecuado o no tienes la necesidad de terminarlo porque sientes que no das con la parte que quieres, pero más adelante se reviven. Ahorita tengo muchas ideas, la mayoría son del baúl; otras sí son propuestas nuevas, pero siempre es bueno descubrir cosas antiguas y ver cómo nos llevarán este nuevo momento de nuestras vidas. Entonces sí, es bueno e importante el siempre guardar los demos y nunca descartarlos, así no nos gusten en el momento, porque quién sabe qué otra ventana puede abrirse más adelante. 

Para tu EP Nova contaste con Rudy Pagliuca en la producción ¿qué tan significativa fue su influencia en el proyecto y qué sientes qué fue lo que más aprendiste al trabajar con él?

Bueno, Rudy es parte fundamental de todo lo que es mi proyecto como solista y de la música en general, más que todo durante la última etapa de la banda, porque de él aprendí muchísimo. Con él aprendí, primero, a cómo hacer el approach correcto de una canción, porque quizás uno tiene como cierta visión de hacia dónde quiere que vaya un tema y no necesariamente es es el camino correcto. Aprendí muchísimo y si no hubiera sido por Rudy, creo que no hubiese logrado sacar mi primer EP y no le hubiese dado continuidad a todo lo que estoy haciendo. 

Esa es otra de las cosas que aprendí de él, que uno se vuelve como muy “artista”, como él dice, y terminas estando tan adentrado en el proyecto que no terminas convencido con nada. Entonces, otra de las cosas en las que me ayudó, fue en aprender a “pasar la página”. Hay veces que yo decía “esta canción no me convence” y él me decía “pero está bien tocada, si paras ahora no la harás mejor de lo que está ahora, así que hay que continuar con la canción”. Me enseñó a cuándo parar, cuándo seguir, entender que uno tiene que trabajar en base a la canción y no en base a un instrumento específico, y que sobre todo, hay que entretener, buscar que la música sea honesta y divertida. Son cosas que aprendí de él y todo este proceso.

Yo a Rudy lo conozco desde que estaba en Venezuela, cuando todavía era un adolescente y tenía mi banda allá, que empezó siendo del colegio y terminó siendo bastante conocida en Venezuela, y Malanga era, también, bastante conocido en ese momento. Tenía 19 años cuando lo conocí, ellos ya estaban en sus 30, entonces yo era como el alumno menor. 

Siempre he admirado su trabajo, lo que ha hecho con bandas nacionales es increíble y tiene unas visiones y lecciones fenomenales. La creatividad de Rudy es lo que más admiro en el mundo, porque sabe adónde llevar las cosas desde un punto de vista que casi nadie entiende y es sumamente  importante. Siento que gran parte de las cosas que han pasado con respecto al rock venezolano han sido gracias a Rudy y a toda esa camada de productores que le han abierto un gran espacio a las generaciones nuevas o de relevo, y los han ayudado, incluyendo la mía y a las posteriores, 

Hace poco fuiste apoyado por la marca de guitarras Paul Reed Smith, ¿qué nos puedes contar de esa experiencia? 

Bueno, yo toda mi vida he usado los instrumentos de Paul Reed Smith, y el año pasado, cuando lanzaron esta iniciativa de programa (Post Artist Program) se encargaron de seleccionar artistas a nivel global dentro de la escena musical que ellos pensaban  que estaban haciendo algo importante en el área de la guitarra, y pues, al ser parte del programa, te ofrecen un apoyo que dura un año a través de las redes para ayudarte a impulsar tu carrera. Es una especie de patrocinio temporal donde te dejan tocar con los instrumentos de ellos. 

Hubo un momento en el que no me habían seleccionado todavía, y vi que en mis redes sociales me comenzaron a seguir los tres encargados de Artist Relations (AR managers) de la marca, y de ahí me interese y comencé una conversación con ellos bastante casual. Luego, cuando comenzó el programa, me preguntaron si quería formar parte del proyecto y dije que sí.

Primero tuve que quedar preseleccionado, algo que ya me habían dicho, y al final fue una gran emoción porque pude pasar el año con ellos hablándoles sobre mi proyecto y viendo cómo me podían ayudar a seguir trabajando en mi carrera dentro del espectro de guitarristas a nivel global. Pero también les planteaba el cómo yo los podía apoyar con mi música, en mis videos y en las redes. 

Volviendo al pasado, vimos que ya hace 6 años, con la compañía Red Light Management, trabajaste para el sonido del documental A Small Section of The World junto a Carlos Topado y Alanis Morissette ¿cómo fue esa experiencia? ¿Volverías a participar en un proyecto cinematográfico? 

Trabajar con Carlos Topado y Alanis Morissette es una de las vivencias que más cariño le guardo, sobre todo porque hice una gran amistad con Topado, a quien aprecio y admiro muchísimo como músico, por lo que fue un privilegio verlo trabajar y compartir con él en el estudio, y también con Morissette pasó lo mismo. Es algo que se dice muy fácil, pero la experiencia es alucinante; entonces, para mí es algo que recuerdo con muchísimo cariño. Casualmente la persona que era el jefe de la compañía en ese momento, me llamó hace y hablamos un rato al respecto, y justo estuvimos recordando esos momentos. Y sí, esa es la clase de proyectos que me han ayudado a formarme como artista y a ver como trabaja la industria de la música. 

No descarto volver el trabajar en la parte de documentales o cualquier tipo en series; de hecho, hasta hace no mucho, en mi trabajo actual con Spotify, eso era parte de lo que hacía, desarrollar una gran cantidad de contenido original, y dentro de eso teníamos como mini episodios o miniseries que formaban parte de nuestros playlist más populares. Como siempre he trabajado un poco en la parte creativa y audiovisual, no descarto esa oportunidad para nada. 

¿Y qué es lo que más has aprendido desde que entraste a trabajar con Spotify?

Trabajar dentro de Spotify es una de las pocas veces que he notado que, en una compañía como esta, no hay egos, sino más que todo una camaradería; hay muchísima gente brillante. Siento que trabajo con las personas más inteligentes que he conocido en mi vida. Sin duda alguna, es una comunidad muy agradable, donde se trabaja en equipo de manera impecable y he aprendido que este es el tipo de compañía que te deja tener iniciativas propias, es decir, si tienes un proyecto que quieres desarrollar y piensas que será interesante para la compañía, o que podrás llevar cosas interesantes para el medio artístico, pues fácilmente te lo permiten desarrollar. También creo que la gran mayoría de personas que trabaja aquí en Spotify lo hacen por la pasión y amor que le tienen hacia la música. Siempre están trabajando en pro de los artistas y en pro de mejorar el ambiente musical. 

De repente es algo que mucha gente no lo nota, pero en verdad, el respeto que le tienen a la música es muy grande.

Y una cosa, ya que mencionas a los nuevos talentos. Este año se han descubierto muchísimos nuevos artistas, incluso más que antes, ¿cómo has visto todo este movimiento de surgimiento de artistas tras la ola que se generó con las redes sociales y tiktok? ¿Crees que Spotify siempre ha estado en conjunto con estos para lograr ese nacimiento de nuevos músicos?

Sí. Yo creo que la conexión con Spotify siempre se ha dado porque es la plataforma de audio más grande en este momento. Entonces, el hecho de escuchar una canción en Tiktok, por ejemplo, que te llame la atención y que la aplicación te dé la posibilidad de abrir a otra app aparte para conocer al artista y saber todo lo que tiene para ofrecer, es vital. A pesar de que Spotify sigue siendo una plataforma de descubrimiento de nuevos talentos, creo que el hecho de tener estas otras nuevas plataforma ayuda muchísimo y, además,  ayudan a traer a muchas personas de vuelta a Spotify para descubrir el catálogo de un artista. 

Vi que también pasó algo importante en estos últimos años, debido a la pandemia, y es que muchos artistas independientes que tenían la facilidad de sacar un disco sin nada que perder, se dieron a conocer de forma más amplia, y eso abrió la puerta para que muchos talentos nuevos surgieran y pudiesen utilizar las diferentes plataformas para darse a conocer. Es algo bastante interesante. En este momento, dentro de la industria musical, se está entendiendo que un artista no necesariamente tiene que estar con un sello discográfico al lado para ser reconocido. Ahorita, cualquier persona con buena música y que sepa manejar en las redes, tiene o se le acerca a un artista que tiene un sello con la misma posibilidad de hacer conocer su trabajo. 

Otra de las cosas que me llamó la atención de tu carrera fue que también llegaste a trabajar con el reconocido Mark Ronson para el remix de Heavy and Rolling para una de sus presentaciones, ¿qué fue lo que más te quedó de ese momento  y cómo se logró ese contacto?

Cuando trabajé con Mark Ronson fue justamente para ese remix de Heavy and Rolling en los Grammys, porque la academia tenía este proyecto para impulsar a nuevos artistas llamado GRAMMY Amplifier, que era una especie de cazatalentos que estaba implementado. Dentro de todo este concepto estaban buscando a  personas para desarrollar tres proyectos musicales, y entre estos uno era la canción con Mark. Como yo estaba trabajando en ese momento con lo del GRAMMY Amplifier, porque la compañía en donde trabajaba llevaba ese programa, a mi equipo le asignaron todo el desarrollo de la canción, en el que me tocó desarrollar el proyecto con él. 

A pesar de que solo compartí con él por un día, aprendí muchísimo. Él es una persona sumamente sencilla; cuando entra al estudio, es muy enfocado en lo que quiere, y además trabaja mucho en base al artista. Él, en ese año, 2015, vió el rango de voz de Eyango (ganador del Grammy), lo asesoró e inmediatamente ahí en el estudio cambió la canción, a pesar de que ya se tenía predeterminado otro tema. Él le dijo: “no, no, tu voz irá mejor con esta otra canción”, y de ahí la empezamos a trabajar. Al día siguiente él tenía que volar a Londres y me dejo a mí para seguir con el proyecto, grabar las voces con Eyango y básicamente terminar de producir. Entonces ese día me tocó ir al estudio y terminar con todo eso. 

Aprendí, primero, a tener confianza en mi criterio de lo que está haciendo. Número dos, aprendí sobre la sencillez con la que muchas veces se manejan estos artistas, que siempre vemos como inalcanzables. Y tercero, que este tipo de relaciones siempre hay que manejarlas de la manera más profesional posible, siempre tratándose con respeto pero también de tú a tú, porque al final es otro ser humano, y ellos esperan que los trates como tal. 

¿Cual sientes que ha sido el highlight de tu carrera como guitarrista y productor hasta ahora? 

Wow, a ver… creo que no ha llegado todavía, o espero que no haya llegado todavía (risas). Lo que me da más satisfacción de mi trabajo es hacer un proyecto que me haga 100% orgulloso, que respalde y defienda a capa y espada, porque, al final, es un proyecto que es mío, y que por fin lo estoy sacando. También me dan mucha satisfacción dos cosas: escuchar los temas que he terminado, porque ¡wow!, de ser una maqueta ahora está con una forma verdadera, y dos, más referente a la comunidad de guitarristas, que te comenten y admiren tu trabajo. Creo que son las dos cosas que he vivido hasta este momento que recuerdo como más satisfactorias. Espero que no sean las únicas. 

Pero en general, adoro ver que todos mis proyectos, que empiezan desde cero, se materialicen; verlos en algo tan especial como un disco o una canción, y que termine con millones de streams es increíble y muy especial. Obviamente, yo me levanto todos los días, emocionado y digámoslo, así, “pellizcandome” porque pienso y digo “wow, estoy en LA y estoy trabajando en lo que me gusta con Spotify, my dream job”. Por eso usualmente me levanto con mucha energía y ganas de seguir adelante, y creo que el hecho de estar feliz con lo que hago es el peak de mi carrera. 

Sé que me lo medio mencionaste al principio, pero ¿sigue en tus planes seguir haciendo colaboraciones, o más adelante te quieres centrar únicamente en tu proyecto solista?

Para nada, amo las colaboraciones. Me parece que es  muy interesante darle a alguien tu canción y ver cómo la interpretan, entonces sí: pienso hacer más colaboraciones. Además, es algo muy característico de la comunidad de la guitarra, en la que, entre guitarristas, se ayudan y por ende nacen colaboraciones de por medio y se vuelve un proceso bien interesante. También, al escuchar las diferentes colaboraciones, te das cuenta de los diferentes sonidos y las diferentes maneras de tocar de cada guitarrista, entonces creo que eso siempre hace que el proceso sea más llevadero y divertido. 

Para mí, hacer estos featurings, no solo en el mundo de la guitarra, sino en el mundo musical general, es muy divertido. Ahorita -justamente- estoy haciendo una colaboración con una artista venezolana que admiro muchísimo… te lo diría pero aún no puedo revelar nada (se ríe), solo puedes saber que es una super super productora e instrumentalista venezolana que admiro mucho. 

Si pudieras ser el productor de un artista, o si alguien que admiras te llamará para que formes parte de la producción de uno de sus trabajos ¿quién te gustaría que fuese? Y también al contrario ¿a quién llamarías para que formara parte de tus proyectos? 

Wow, buena pregunta. Me gustaría trabajar con bandas, no se si tengo específicos… Me viene a la cabeza y me encantaría ver como trabaja Bruno Mars, porque me encanta su aproach a la composición y a la producción. Además, él trabaja mucho con su compositor y amigo de toda la vida, que es Philip Lawrence, a quien conocí el año pasado y me encantaría ver cómo trabajan ellos dos. 

Y de artistas invitados, de repente Plini, Aaron Marshall, Slash… me encantaría que vinieran a tocar en mis canciones. 

Alguna vez dijiste, sobre tu experiencia desde que emigraste, que tu proceso en la industria ha sido bastante rápido, y que cada vez ves que es un ambiente bastante competitivo ¿qué le recomendarías a alguien que quiere irse  a Los Angeles a desarrollar su carrera musical como hiciste tú? 

¡Claro! Cuando digo que es muy rápido es porque es muy agresivo, evoluciona muy rápido. Pero, lo que recomendaría es, primero,que sepas bien quién es tu competencia, es algo muy importante, pero tampoco es un factor determinante en lo que hagas, eso lo tienes que usar como motivación. 

Lo segundo es que entiendas que todo esto es un trabajo de consistencia y de disciplina, porque no es una ciudad fácil o una industria fácil. Todo el mundo que está en esta ciudad está persiguiendo lo mismo, entonces te tienes que hacer la pregunta ¿cómo eres tú relevante? ¿cómo eres tú competitivo?  ¿cómo te vas a presentar en una industria que tiene múltiples opciones? Y al final, es tener un poquito de todo. 

Yo tengo ya casi diez años en Los Angeles, y desde el primer momento que pisé la ciudad, lo que he hecho es trabajar en esa constancia y disciplina. Hay días muy buenos y hay días muy malos, también hay días normales, pero al final, lo importante es que uno tenga sus metas muy claras y fijas. No está mal cambiar un poquito el rumbo, porque siempre hay que adaptarse, pero ya cuando uno tenga sus metas claras, ahí es donde tienes que apuntar y no escuchar tanto a los lados, sino escuchar consejos que nutran. Es saber hacia dónde ir y apuntar para allá. 

También has expresado varias veces que tus principales inspiraciones para tocar guitarra fueron The Cure, Guns And Roses… ¿qué músicos/guitarristas de la escena actual crees que pueden tener el mismo impacto positivo en las generaciones que vienen y desarrollen un interés por la guitarra?

Bueno, en el  mundo de la guitarra siento que está pasando algo sumamente interesante. Hay una nueva camada de guitarristas que se ha encargado de llevar la batuta de todo este movimiento que ha hecho que muchas más personas se animen y agarren el instrumento, y a pesar de ser un nicho, pues se han enfocado en que sea bastante solidario y que, al final, se cree esa gran comunidad bien leal y de seguidores que apoyen todo este movimiento. 

Dentro de estas personas, de las cuales creo que están haciendo algo bien interesante, está Plini, Arch Echo, Nita Strauss, Steve Vai, Sophie Burrell, Cory Wong, Jakub Zytecki –quien me parece sumamente increíble. Hay un montón de guitarristas que crearon toda esta escena, y que hacen que cualquier personal que esté interesado en la guitarra tenga de donde estudiar e inspirarse. Además, la gran mayoría de todos estos artistas son independientes; es decir, ellos no dependen de un sello discográfico, no dependen de un management, no dependen de un publishing; todo lo que han hecho ha sido 100% independiente. Hoy en día también pasa que, la tecnología te permite tener una calidad altamente decente como para poder lanzar una canción y que la gente lo escuche. Sí, es un ambiente muy competitivo, pero también te brinda todas las herramientas necesarias para que puedas desarrollar un material de calidad. 

Esos son los nombres que más me retumban. Y lo otro interesante, o lo que veo que está sucediendo ahorita, es que son guitarristas de todas partes del mundo. Es decir, no es que nada más están en Estados Unidos o Europa, es algo que se volvió en un fenómeno global, y entre todos ellos entendieron que este movimiento no era sólo local, sino que entre todos, desde el lugar que sea, se tienen que apoyar. 

Es una comunidad que se cuenta como el 1% de la industria, y una vez que entras, estarás apoyado al 100%. Eso es parte de lo que estoy tratando de hacer, entrar a ese 1% y ser aceptado dentro de este gremio, que toma tiempo –como todo– ya que tiene que ver con una cuestión de credibilidad en estar a ese nivel, pero también creo que es bastante inspirador para mucha gente. La mayoría de estos artistas, como por ejemplo, Plini, no salen de gira hasta obtener la demanda suficiente que les permite llevar su música a un toque, y fue bastante interesante. Entonces él, en este caso, desarrolló todo su proyecto de forma digital y luego fue que salió a tocar, no como se acostumbra normalmente, que es ir de gira mientras construyes el proyecto. 

Hablando de emigrar, formaste parte del Cúsica Fest 2019 representando a las bandas Malanga y La Vida Boheme, y en ese momento, no habías ido a Venezuela desde el 2011 ¿Cómo te sentiste en ese momento ? ¿tienes la idea de volver a tocar en Venezuela para el futuro? ¿En algún momento te imaginaste la gran respuesta de ese festival? 

Yo tenía desde el 2011 sin pisar Venezuela, estaba nervioso y super asustado, porque no sabía con qué me iba a encontrar, y cuando entré al Cúsica Fest, me encantó. Fue como entrar en una dimensión paralela de muchísima alegría, muchísima nostalgia, muchos recuerdos, y todo en un ambiente de encuentro entre todas las bandas que nunca había vivido en mi vida. Creo que ese era el comentario general de todos, como “wow, este reencuentro, con un público tan receptivo y cariñoso y animado… es como un regalo de navidad para todos”. Entonces sí, siempre lo tengo como un grato recuerdo de mi última vez en Venezuela. 

Y claro que sí, espero que se sigan repitiendo los Cúsica Fest para ir con las bandas que trabajo y eventualmente, si la oportunidad se da en su momento, pues ir a tocar y presentar el proyecto de PAARIS por allá. Siempre tengo presente el volver a Venezuela y el tratar de hacer más por la industria en allá, ver cómo hacer para ayudar más en la parte del negocio, la educación y al impulso de las bandas nacionales. 

Justamente que mencionas esto, ya que tú tienes como esta visión más clara de la industria al estar fuera de Venezuela y estar lado a lado con todo ese terreno y modelo de negocio ¿qué le recomendarías a la industria musical venezolana, o qué crees que es lo que más se debe trabajar desde lo que has visto? 

Gran pregunta. Creo que esa duda hay que vivirla y ese tópico debería ser una llamada completa. Pero para resumirlo: lo más importante, a pesar de que suene muy cliché, es que siempre hay que enfocarse en el arte, no en lo que está sonando actualmente o en qué está de moda, o hacer una canción por el simple hecho de tratar de pegar, sino siempre tener una propuesta honesta, porque cuando tú tienes una propuesta verdadera, que se escucha realmente auténtica, y la estas haces desde un lugar adecuado, la gente lo nota, y por lo general la buena música tiende a captar a los seguidores. Yo creo que esa es una de las cosas más importantes en las que un artista se tiene que enfocar. 

También es importante que nos eduquemos en la parte del derecho de autor y de lo que implica desarrollar una canción como tal. Es decir, ¿cuales son los derechos que tienen como compositor al tú desarrollar un tema? ¿cuáles son los derechos cuando grabas una canción? ¿que implica grabar una canción? ¿que se está generando? ¿qué significa un master, o un publish, o los derechos editoriales? Toda esa parte importante para un artista, en el sentido del business o del negocio, es vital, porque ahorita los artistas no son como lo de antes, que contaban con todo un equipo completo que se encargaba de todos los detalles de negocios; ahorita los artistas son autosuficientes y necesitan saber un poco de todo, porque además hay muchas más propuestas y muchas más compañías que, en este momento, están apoyando a los artistas independientes y, por ende, el artista debe ser como el CEO de su empresa, tiene que que conocer absolutamente todo lo que está pasando. No necesariamente tiene que conocer todo a plenitud, pero por lo menos tener una idea y saber a quién contactar en caso de necesitar algo en específico. Creo que esa es la parte más importante y, a su vez, la que más falla: ese desconocimiento de todo lo que hay detrás del negocio de la música. Es complejo, pero todo el mundo puede tener, por lo menos, una noción básica de cómo funciona. 

¿Cómo describirías tu música a alguien que está a punto de escucharte? 

Es la pregunta más difícil que me has hecho hasta ahora porque nunca lo he pensado pero es muy buena y te la tengo. Le diría que es una música que te transporta a otro universo, y ese es un universo que tú mismo creas. Es la magia de la música instrumental, donde no necesariamente tiene una voz que te dicte a donde va tu imaginación, sino que, con ese instrumental, tú mismo creas ese submundo o ese sueño del cual te quieres trasladar. Es sencillamente esa atmósfera que te permite estar en donde quieras y que puedes crear tú mismo. 

Rápidamente ¿qué significan las dos “AA” en tu nombre artístico/ proyecto solista? ¿fue un proceso bien pensado?

Sí. No fue tan simple, fue un proceso largo. Cuando me puse a sacar mi proyecto yo quería algo que tuviera que ver con mis dos apellidos, Márquez Paris, pero era bastante largo, no era universal y era complicado. Entonces dije “bueno, si los combinas, vamos a ver qué puede salir de ahí” y salió “Prisma”. Vi que tenía un significado, era bastante universal, tenía un vínculo con lo que quiera hacer y reflejar, pero cuando busqué cuántos artistas se llamaban “Prisma”, vi que había un montón. 

Luego me pregunté si podía simplificarlo y ponerle solo “Paris”, que es algo netamente universal, es mi apellido y me identifico con él , pero cuando lo buscas en Google pasa lo mismo, hay un montón. Llegó un momento en el que estaba analizando todo esto con unos amigos y uno de ellos me dijo “oye, ¿por qué te complicas tanto? yo a mi proyecto le agregué una letra mas y listo”, entonces de ahí me puse a ver qué podía hacer con mi apellido. Le agregué una “A” de más, al buscarlo vi que no había nadie con un nombre así, a su vez me imaginé un logo con la adoble a haciendo una especie de triángulo, y ahí fue cuando dije “me gusta, se queda así” y lo terminé haciendo. Fue gracias a Renzo Bravo (Bravvo Music) y su idea, así que: ¡Gracias Renzo!

Como despedida, dinos canciones que actualmente tengas pegadas, tanto de guitarritas como del mundo musical en general

De guitarristas: 

  • Moray Pringle, Olly Steele – 80/20
  • Owane – Born In Space 
  • Jakub Zytecki – Yesterdead (live)
  • Olly Steele – Open 
  • PAARIS – Polaris 
  • Lari Basilio – Sunny Days

Otros Artistas: 

  • Wolf-  Hydra
  • Evan Marien – Dana Hawkins – Kyoto (ft. Intervals & J3PO)