El 2016 fue un año bastante especial para la música. Muchos de los artistas que más admiramos realizaron increíbles comebacks, se revolucionó la manera de promocinar y publicar lanzamientos, importantes músicos dedicaron su arte a intereses sociales, y el material que se publicó alzó la barra de la excelencia.
Tras un año realmente memorable, en Cusica + deliberamos para traerte los que fueron, según nuestra opinión, los 30 mejores lanzamientos internacionales que tuvimos en el 2016.
En su más reciente entrega, el reggaetonero colombiano aborda el maravilloso fenómeno que es la globalización para concebir un álbum que explora no sólo el reggaeton, sino el trap latino, que está popularizándose cada vez más, beats tribales, e incluso una balada acústica. ‘Energía’ es un álbum que reúne los ritmos y tendencias más populares alrededor del mundo, convirtiéndose inevitablemente en una producción repleta de sencillos para ser sonados en cualquier contexto. Sin duda muestra la evolución que está atravesando el reggaeton, pero jamás deja a un lado su carácter de fenómeno latinoamericano.
‘The Divine Feminine’ expone un lado de Mac Miller que para muchos nos resultaba desconocido. En este álbum, Miller explora el amor como ideología, y la energía femenina detrás de él. Entiéndase que la energía femenina, mientras es algo inherente a la mujer, no se limita a eso, sino a ese lado de las emociones más puras y vulnerables que todos, hombres y mujeres, poseemos. Lo que busca el rapero con su nuevo disco es promover el dejarse llevar por esa energía, dejar a un lado los temores y el orgullo para encontrarse a uno mismo con el otro, dejarse llevar por el amor, en todas sus etapas y formas. A pesar de que con su trabajo anterior ya se estaba encaminando a una seriedad como rapero, ‘The Divine Feminine’ es la producción que lo ayudó a establecerse realmente.
En su nuevo álbum, Angel Olsen dejó algo bastante claro: ya no quiere ser esa “chica triste que toca folk”. Es por eso que su nueva propuesta toma un desvío a un sonido mucho más psicodélico, influenciado por las guitarras de los 60 y los 70. No que en el trasfondo de esto no haya un mensaje de tristeza y desolación, pero en forma vas más allá de eso. Es un álbum donde se despoja de las apariencias y busca independizarse y dejar de sentirse necesitada, y atiende mucho más a sus necesidades internas, tanto como músico como ser humano, y usa su voz y su poesía como medio.
Del dolor y la pérdida han surgido las más memorables obras de arte del mundo. Para Cave no es la excepción. Teniendo que enfrentar la trágica y prematura muerte de su hijo 15 años, surgió en el mítico músico la necesidad de expresar su pena y su dolor. A pesar de que son letras oscuras, no todas giran alrededor del trágico suceso, pero el pesar en la voz de Cave es realmente algo imposible de pasar por alto. En un año tan cargado de muertes como lo ha sido el 2016, ‘Skeleton Tree’ es un disco que nos habla a todos por igual, y que podemos usar como bandera.
En su nuevo álbum, Norah Jones decidió dar un giro en su carrera para retomar sus raíces, aquellas que germinaron con su exitoso debut ‘Come Away With Me’. Al final del día, fue su desenvolvimiento con el jazz el que realmente propulsó su nombre, sin importar cuánto proyecto de country y pop surgió después. ‘Day Breaks’ fue el resultado de esta decisión, un álbum donde Jones cuenta con una banda de apoyo de primera categoría en cuanto a jazzistas contemporáneos se refiere, ofrenciéndole a Jones el ecosistema ideal para sentirse cómoda en lo que verdaderamente la llama, y lograr una ejecución admirable.
Manteniéndose fieles al sonido de su exitoso primer álbum, Glass Animals regresó con una nueva entrega. Los sonidos tribales siguen siendo su característica diferenciadora, pero para ‘How To Be a Human Being’ se expandieron a niveles más excéntricos, consiguiendo que su propuesta de indie-electrónica se volviera aún más interesante. Y para seguir con la excentricidad, todo el concepto del álbum gira en torno a historias de extraños que Bayley, líder de la banda, y también neurocientífico, grabó durante una gira, para ser estudiadas. De estas historias extrajo cada personaje que presenta a través de cada canción, y no hablan de otra cosa más que la humanidad en sí.
El proyecto de los ex-Smith Westerns, Max Kakacek y Julien Ehrlich, es la propuesta de indie rock ideal. ‘Light Upon The Lake’ evoca la clase de verano melancólico con el que la juventud de hoy está bastantante familiarizado. Pero lo melancólico es apenas un matiz, pues entre todos los géneros que visita, como el rock y el country, provoca más bien una sensación de enamoramiento. Es un álbum tierno y juvenil, bastante melódico y cargado de instrumentos (junto con Kakacek y Ehrlich tocan otras cinco personas, demostrando ser una especie de colectivo), y si a cada uno se le presta atención, se va consiguiendo más y más belleza.
Una banda conocida por su sonido etéreo y atmosférico, ahora confrontan las ganas de reinventarse, integrando a su sonido una serie de melodías pop, mezclas de percusiones orgánicas y sintéticas, influencias de hip hop y R&B, y nuevas dinámicas instrumentales, todo esto entre sus característicos tracks downtempo e introspectivos. El resultado final es una apertura al pequeño mundo que la banda habita, uno donde son divertidas y frenéticas, peculiares e impredecibles, pero tan intensas y profundas como siempre.
La banda que a simple vista pareciera ser otra boyband que lo logró, es en realidad más compleja que eso. Sin duda aprovecharon el hype que tuvieron con su momento pop-rock, pero se desviaron en el camino para trabajar en el sonido que buscaron desde siempre: un post-rock más intenso, ambicioso y consciente. ‘I Like It When You Sleep…’ es toda una amalgama de synthpop, gospel, new wave, incluso contiene tracks de ambiente que es inevitable asociar con Brian Eno. Y a pesar de que con su nueva fama quieren aparentar que se toman más en serio a ellos mismos, no pueden evitar componer letras tan irreverentes como divertidas.
Con intenciones de “matar el pop-punk” (un género que ayudaron a consolidar más que ninguna otra banda), Green Day ofrece ‘Revolution Radio’, un álbum que logró recuperar algo de interés por la música de guitarra. Abordando el género rock tal como es debido, Green Day ofrece, no solamente un disco, sino un discurso. Todo el personaje que han construido en torno a ellos en casi 30 años de carrera hace inevitable tomarse las cosas con humor, pero en ‘Revolution Radio’ toman una actitud de crítica hacia el sistema, y en particular a la política, calzando perfecto en uno de los años electorales más complicados que ha visto Estados Unidos en años.
Drake ofreció un disco particularmente largo (el más largo de toda su carrera) donde ofrece lo mejor de dos mundos: una selección de temas fiesteros, incluyendo uno de los hits más virales que hemos visto en la era del internet, junto con una colección de canciones más downtempo, lentas pero introspectivas. Una vez más, el rapero de Toronto ha tomado un álbum a modo de diario personal, y aunque ‘Views’ resulta ser un poco más oscuro y existencialista que los lanzamientos anteriores, es bastante expresivo, y se consolidó como uno de los álbumes más vendidos del año.
‘Blue & Lonesome’ es una colección de covers de blues de las canciones que para los Rolling Stones han resultado las más trascendentes. Esa combinación de factores da como resultado uno de los álbumes más honestos que la banda ha publicado en años. Se dieron cuenta de que ya ni siquiera tenían que esforzarse para pegar un álbum, el mero hecho de publicarlo era más que suficiente para hacerlo bien (en términos de industria). Entonces aprovecharon la situación de indiferencia para hacer algo que realmente se sintiera bien, una vuelta al género que los vio nacer, y que suena más a los Rolling Stones que cualquier otro material de la última década.
En un año donde el tema del feminismo y el amor propio fue (entre tantos otros) de los más aclamados y comentados, el nuevo álbum de Alicia Keys parece llegar justo a tiempo, con un discurso humanista que no sólo defiende y reafirma todo lo que se ha dicho del tema, sino que también le da su propia perspectiva, de una manera tan tangible como parar de usar maquillaje, o sus letras que sin ninguna clase de filtro hablan de temas que son necesarios que actualicemos en el disco duro universal, como la homosexualidad, la adicción a las drogas, e incluso el ambientalismo. Musicalmente, la cantante no falla, como era de esperarse, pues ofrece una bellísima ejecución de toda una variedad de géneros.
Anderson .Paak lleva años cultivando su carrera, y todo el esfuerzo que ha hecho ha tenido su recompensa, consolidándose como uno de los raperos y cantantes más interesantes del momento. Mientras sus trabajos anteriores tenían un tono más fiestero y despreocupado, con ‘Malibu’ Paak se siente lo suficientemente cómodo para hacer de este un álbum biográfico, el material más íntimo y personal que ha publicado hasta el momento. Es un trabajo ambicioso, con una lista de productores y colaboradores que cualquiera envidiaría, pero ejecutado de manera cálida y muy personal, dando como resultado final un álbum tan honesto como humilde.
Chance The Rapper es uno de los raperos más importantes e influyentes de la actualidad, ha colaborado con diversos artistas de la élite del hip hop estadounidense y no tiene ni siquiera 25 años. Con ‘Coloring Book’, su tercer mixtape, el rapero reafirma todo lo que se alega de él, a través de una clara declaración de su realidad y su ideología. Una esplendorosa mezcla de gospel y hip hop, este mixtape cuenta con una riqueza tanto sonora como cultural. Es un álbum consciente, ambicioso, melódico, que convenientemente, en un año tan convulsionado, sirve en bandeja de plata todo lo que las raíces de la cultura africano-americana tiene para ofrecer.
El álbum final de Leonard Cohen condensa todo lo que fue en vida: un poeta oscuro y atormentado, pero con una belleza espiritual inmensurable. “Oscuro”, como su mismo título lo indica, es la palabra clave. Pareciera que Cohen sabía lo que el futuro le deparaba (con 82 años, es difícil no saberlo), y no tuvo temor para enfrentarse con Dios, con la vida y con la muerte en un álbum que es tan rico, profundo y potente, incluso cargando en la espalda 50 años de una infalible carrera musical. Y esa carrera bastó para decir todo lo que Cohen quiso decir, al punto en que estaba convencido de que “ya estaba listo para morir”. Más tarde dijo que era broma, pero sabemos que entre su misticismo sabía con bastante lucidez lo que decía: “I’m ready, my Lord”.
Tras años de alimentar una fanaticada a punta de singles y brevísimos EPs, el joven productor finalmente ofreció su ópera prima, una que termina de levantar el nombre de Kaytranada como uno de los productores más influyentes de la nueva era del R&B/Hip hop electrónico. Además, fusiona toda neo-soul, funk, disco y rap de la mano de un elenco de artistas colaboradores de calidad premium. Con ‘99.9%’, el joven Kay se deja ver como un músico más versátil e incluso maduro, con la capacidad de dar un toque de funk hasta a los temas más tensos.
La tercera entrega de James Blake fue publicada en medio de una inquieta expectativa, que no sólo fue alcanzada, sino también superada. ‘The Colour In Anything’ parece ser un álbum completamente biográfico, incluso en su estructura, que sigue una linealidad y una causalidad de los hechos. Es el disco donde Blake se cansó de estar solo, de hacer todo solo, le abrió las puertas a productores y músicos para pintar con nuevos pigmentos el material en el que estaba trabajando, dando como resultado final un álbum completo y complejo, que se inclina más hacia un maximalismo y se aleja de la postura depresiva de Blake ante la realidad.
Lo único que se tiene de ‘untitled unmastered.’ es la música. No hubo promoción, no hay coros, ni siquiera hay nombres para las canciones. Kendrick Lamar publicó esta producción para que la gente no lidiara con otra cosa que no fuese la música. Grabado seguramente durante sesiones de ‘To Pimp A Butterfly’, por lo que las fechas anexadas a cada canción dejan ver, no es realmente un álbum, ni un EP, ni unos demos, ni nada que pueda encasillarse, simplemente es. Y es, obviamente, un disco que habla de Kendrick. Pero lo encantador de él es que piensa en sus vivencias sin ser egoísta ni buscar una autopromoción de sus habilidades, y las plantea desde un plano más elevado, donde lo que narra nos compete a todos.
Las más reciente producción del “Padrino del punk” es en sí mismo un tesoro. Por el hecho de ser una especie de vuelta a la juventud de Iggy Pop, donde se obsesiona por el sexo y la muerte, e incluso tiene reminiscencias de ese color particular del rock de los 70, su Bowie age. Y por el hecho de haber sido co-escrito y producido por Josh Homme (Queens Of The Stone Age). Esa dupla pareció haber hecho click desde el momento en que se conocieron, hasta que decidieron esfumarse a un estudio en medio de un desierto de California para dar rienda suelta a su creatividad, prácticamente en secreto, para concebir la ‘Post Pop Depression’, un encuentro entre presente, pasado y futuro de un rockero al que aún le quedan muchas historias por contar.
Probablemente, ‘HTSD’ es el mejor álbum que Metallica ha hecho en el nuevo milenio. Con más de 35 años de carrera, la banda no ha dudado en reinventarse, sin temor (y quizá sin posibilidades) de perder su esencia. Es un álbum donde ya no se habla de manera esperanzadora, o con ganas de sembrar algún tipo de actitud positiva, sino que buscan dejar en claro todo el caos que está generando la humanidad sobre la tierra, y que al parecer ni siquiera nos importa, por toda nuestra actitud despreocupada. Simplemente “estamos jodidos”. El mensaje lo afianzan con acelerados riffs y bombos que rescatan lo mejor de la nueva era del trash metal.
El comeback de Frank Ocean valió por completo la espera. Cuatro años pasaron desde su increíble debut, y por lo menos tres años estuvo hablando de su siguiente producción. Cuando finalmente salió a la luz ‘Blonde’ (luego de meter finta con un álbum visual y una revista, todo en menos de una semana), un nuevo lado de Ocean quedó expuesto. Mantiene su característica narrativa y creación de personajes, pero lo hace desde un punto de vista más universal, y paradójicamente, más meditativo e introspectivo. Su voz es transformada por los efectos, como si de otro Frank se tratara, mientras narra de manera hermosa sucesos de fama, de crecimiento, de amor y desamor, tocando varios nervios en el proceso.
En este álbum, el polémico rapero pareciera presentarse a sí mismo como Pablo. Pablo Picasso, Pablo Escobar, no sabemos realmente cuál Pablo, pero uno con mucho que decir sin duda. Las canciones que componen el disco no sólo hacen ver a Kanye como un tipo omnipotente, sino como el ultimate Kanye, uno que no piensa dejar de evolucionar en ningún momento (cosa que dejó claro al mantenerse cambiando el álbum incluso meses después de haberlo publicado), un todopoderoso, que ni se molesta en seguir tendencias, pues él es la tendencia. El trabajo de producción, los artistas invitados, las letras tan pero tan Kanye que en cierto punto parecen ser una parodia, todo en esta producción es impecable. No es su trabajo más vanguardista, pero ya ni siquiera necesita de eso.
En ‘A Seat At The Table’, Solange revoluciona el trabajo que venía haciendo hasta el momento y realiza todo un recorrido de la evolución del R&B hasta su estado actual. Desde el primer momento, el sonido es sublime, como si se tratara de un extendido suspiro. Incluso tratándose de un álbum con una pesada carga social, política y humana, no parece perder el equilibrio y la serenidad por un solo instante. Esta oda al orgullo negro y el amor propio está ejecutada con extrema pureza, entrega y honestidad, y a pesar de lo imponente de su mensaje, es un trabajo frágil y deslumbrante, el mejor de la joven Knowles hasta el momento.
A Rihanna siempre se le dio muy bien lo de ser una estrella del pop, pero se limitaba a los hits individuales. Con ‘Anti’, finalmente consiguió crear un verdadero álbum, un completo y redondo, con principio y fin. En él, la cantante se revela, revela sus pensamientos y sus intenciones, su independencia, su sexualidad, el empoderamiento que siente. Y mientras tema tras tema todo confluye, consigue que sus temas más fiesteros y malaconducta transiten sin problema a los que exponen su lado más sensible y emocional. Y todo esto lo logra con un performance vocal sin precedentes, abordando todo el espectro, desde lo más sintético hasta lo más orgánico y crudo. Es un álbum al que todo artista debería aspirar por la honestidad que conlleva.
El alter ego musical de Donald Glover solía ser conocido por su rap algo ensimismado, muy cuestionado por el hecho de que no siempre termina diciendo algo. Con ‘Awaken, My Love!’, el músico y actor toma un nuevo giro en su carrera, dejando el rap a un lado para hacer todo un homenaje al funk y el soul, tomando como referencia específica ‘Maggot Brain’ de Funkadelic, pero agregando sus propios toques de modernidad. Líricamente también alcanzó otro nivel, uno donde empieza a mirar hacia afuera, donde habla de temas que a todos nos conciernen, abordados desde sus habilidades ingeniosas como escritor de éxitos televisivos como ‘30 Rock’ o ‘Atlanta’. En su conjunto, es un álbum concebido como un riesgo para ser disfrutado.
La novena entrega de Radiohead resultó ser tan misteriosa y extraña como su promoción. Días antes de su estreno oficial, estuvieron jugando y metiéndose con el mundo entero a través de enigmáticos folletos, desapareciendo progresivamente de internet, y publicando teasers sin demasiado sentido. Con el culto que gira en torno a Radiohead, ‘A Moon Shaped Pool’ fue de los discos más esperados y de los mejores recibidos. Rescata canciones del pasado, que no habían logrado pasar la prueba del perfeccionismo de la banda y al fin lo lograron. En todo el ensamblaje, unieron canción con canción a través de una atmósfera lúgubre, triste, oscura, que produce ansiedad, pero también fascinación.
Desde el día 1, Justin Vernon dejó claro que la música es su medio ineludible para drenar sus presiones. Con ‘22, A Million’, demostró que estas presiones pueden tener todo tipo de naturaleza, pues dejó a un lado las baladas sobre corazones rotos y se metió en un mundo más profundo, mucho más existencial y complejo, cuestionando sus decisiones, sus inseguridades, sus relaciones con los demás, con él mismo, e incluso con Dios. Además, guardó por un tiempo su guitarra y se tornó netamente experimental, con sintetizadores, secuencias, glitches, y toda una gama de nuevas texturas que en teoría son minimalistas, pero en práctica generan que uno tenga muchas cosas que atender y entender. En torno a esta premisa creó todo el concepto del disco, con un arte con símbolos complejos e indescifrables, que se colaron en los nombres de las canciones, sus vídeos acompañantes, y finalmente cierran ese fascinante círculo.
‘Blackstar’ fue el último regalo que David Bowie ofreció a la humanidad. Si era de por sí una leyenda, pero con el lanzamiento de este álbum trascendió a otro nivel. Fue lanzado el día de su cumpleaños, y tan solo un par de días después, se anunció su fallecimiento, y evidentemente, todo estaba calculado para que así se diera. El álbum habla precisamente de esas cuestiones: la vida, la muerte, la trascendencia. Para nosotros, Bowie era el rey de la reinvención, una especie de Lázaro moderno, renaciendo con cada nueva propuesta y lanzamiento. ‘Blackstar’ fue su última resurrección, una donde, una vez que ya pensamos que lo había hecho todo, incursiona en una fusión de rock y jazz experimental, enigmático y lleno de signos, metáforas y códigos para descifrar.
‘Lemonade’ es la joya de la corona este año. Y es que para la Queen B no podía ser de otra manera. Toda la narrativa, composición y ejecución de este álbum tiene una coherencia que la vuelve en sí una pieza de performance art. Con poderosas letras, Beyoncé no sólo denuncia la infidelidad de su esposo, sino el desplazamiento en la sociedad de la raza negra, y especialmente de la mujer negra. Además, musicalmente no se limita al R&B, sino que explora un montón de otros géneros como reggae, soul, country, o incluso trap y post-dubstep, de la mano de artistas de élite que incluyen a Kendrick Lamar, James Blake, Jack White y más. La pieza audiovisual que acompaña el álbum es tan sublime como alucinante, que refleja en sí misma todo lo poderoso e imponente que es el disco.
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