La industria musical venezolana es un mundo complejo, en donde la originalidad, la creatividad y la constancia son herramientas clave para encontrar el éxito en un mercado claramente distinto al resto del mundo.

Sin embargo, podríamos decir que gracias a las condiciones extremas de trabajo y esfuerzo a las cuales se enfrentan todos los que deciden dedicar su vida y ganas a este negocio, han surgido personalidades innovadoras y eficientes capaces de lograr, aprovechar y convertir la crisis en oportunidades.

Uno de los hijos predilectos de esta industria es William Padrón:  periodista, manager, escritor y amplio conocedor de la música y el talento venezolano. También halagado y criticado por su visión perfeccionista y cruda de este negocio, características que hacen de este “cazador de talentos” una de las personalidades más influyentes en el mundo de la música en Venezuela hoy en día.

Aprovecharemos esta oportunidad para conocer un poco más a fondo los pensamientos de William Padrón con respecto a la industria musical venezolana, y como esta lo ha moldeado a él a través de su vida profesional.

 

¿Cuál fue tu primer contacto con la industria musical?

Comencé como periodista en el periódico Letras, a las pocas semanas estaba entrando al Bloque de Armas. Creo que en el momento en que decido manejar a Los Mentas, sin experiencia, más que las ganas de hacer algo positivo por la banda, empieza los acercamientos a la industria. A conocer diferentes aristas del negocio, no solo ser el periodista que tenía o buscaba información de los lanzamientos. Eso fue en el año 98 si mal no recuerdo.

 

¿Tuviste algún mentor?

Al principio iba aprendiendo del ensayo y error, la primera persona que me da la mano para entrar a una disquera fue Ángel Guanchez, en ese momento Label Anglo de Sony Music pero fue el Sr. José Manuel Rodríguez quien me dio una clase magistral de promoción y a quien le debo mis primeros pasos. Me fui instruyendo y aún lo hago a diario con la lectura del negocio y sus cambios.

 

¿Qué aprendizajes sacaste de tu experiencia trabajando en disqueras grandes e importantes como Sony Music?

En Sony Music aprendí el funcionamiento del organigrama discográfico. Todos los factores que intervienen en la producción, fabricación, ejecución de un plan de marketing, la distribución, todo lo que envuelve el negocio con las tiendas de discos y la satisfacción de trabajar con grandes estrellas. Universal Music fue una de las mejores escuelas, porque eso que en el negocio musical apreciamos como «el tiempo», es lo que más nos preocupa. Desde las partes de fabricación del disco, hasta la fecha de lanzamiento, todo debe ser minuciosamente ejecutado en el tiempo establecido. Como todo en la vida, el mejor aprendizaje es saber que cada día aprendes donde te gusta estar.

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Teniendo en cuenta las limitaciones de la industria musical venezolana, ¿cuál ha sido el mayor reto profesional que has tenido que superar mientras te encontrabas trabajando como representante de artistas y agrupaciones musicales?

Creo que la mentalidad del artista. Como dije, no todos tienen, ni aprenden a controlar los tiempos del lanzamiento. Establecer un plan de marketing en el que no existe un presupuesto pensado, ni los tiempos concretos, atrasa las expectativas. Casi todo se reduce a dinero, pero la creatividad debe prevalecer. Otro punto adverso es la falta de una estructura promocional sensata. Dentro de lo que hablamos de pop rock venezolano, lo que más daño le ha hecho ha sido la poca o nula visión de los gerentes de radios y su desconocimiento de la industria.

 

Según tus experiencias, ¿cómo ha cambiado la industria musical venezolana en el tiempo que tienes trabajando en ella?

Ahora los sencillos promocionales duran más que antes. Los artistas, con la crisis, no desean lanzar un disco por los costos. Fíjate casos como los de Oscarcito, hasta la fecha no tiene un disco editado y su popularidad es innegable. Creo que la mal llamada “ley de contenido”, hizo que la corrupción radial se incrementará con la excusa del apoyo nacional. Las bandas de rock le apuestan más a las redes sociales y ven a BandCamp, SoundCloud o YouTube como sus aliados inmediatos. Como el formato digital va decayendo y la gente se decanta por el streaming, las cosas van cambiando. La inseguridad ha hecho que las giras de medios hacia otras ciudades decaigan o la inseguridad replantee el método. Se perdió esa figura del promotor de locales nocturnos. Hay cosas positivas como el acceso a grabar desde casa pero cuando se usa de una manera creativa.

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¿Cuál es la principal diferencia entre la industria musical venezolana y la industria musical de algunos países latinoamericanos como Argentina y México?  

Primero la población, hay más público. Se le suma el poder adquisitivo, la moneda, infraestructura. Si trabajaras en una disquera, solamente intentar promocionar un artista internacional en un mercado donde no hay ventas del físico es muy contraproductivo. Aparte, el venezolano no tiene acceso a divisas, por lo que ni Impact, Itunes, Spotify, ni nada de eso funciona ¿para qué molestarte en quitarle 15 min de un artista que puedes aprovecharlo para otro mercado? El recurso humano dentro del showbiz está mejor preparado porque tiene un mercado competitivo.

 

¿Qué ventajas o cualidades positivas puedes rescatar de la industria musical venezolana?

El talento por sobre todas las cosas, la necesidad de sacar adelante un proyecto ha llevado a los músicos y quienes trabajan por ellos, a que se replanteen las cosas. A pesar del éxodo, creo ciegamente en el talento que tenemos. Ahora, en cuanto a capacidad creativa del contenido musical, somos mucho más libres en nuestras decisiones a pesar de que algunos se empeñen en autocensurarse o apelar al «esto debe ser comercial» cuando la radio ni siquiera entiende ese concepto.

 

 

¿Opinas que la situación política del país afecta a la industria de manera negativa, o que la música se beneficia de la crisis?

Se beneficia porque de las crisis surgen movimientos y creatividad, por supuesto que a nivel negativo nos han destruido toda posibilidad de crecer.

 

¿Consideras que es necesario estudiar a nivel profesional para poder ser exitoso en la industria musical, o lo tildarías como un trabajo instintivo y autodidacta?

Para todo siempre es importante estudiar, algunos deciden hacerlo desde un nivel académico superior pero el aprendizaje es diario y constante. Puedes ser instintivo y autodidacta, porque disfrutas lo que haces en la industria, pero pasar a un nivel diferente requiere de aprendizaje que bien sea en la calle o en clases, va a funcionar. Siempre que ames lo que te gusta, el aprendizaje estará en tí. Como dije hace rato, yo sigo estudiando.

 

¿Qué consejo le darías a las personas que se están introduciendo en esta industria?, ¿cuál es tu clave para el éxito?

Divertirse, hacerlo por el camino diferente, no imitar a nadie, solo tomar ejemplos exitosos que se adapten a tu personalidad y la del entorno que tienes. ¡Ser auténticos! Una de las cosas de esta industria es venderle emociones a la gente con la música para que sueñen, se sientan felices y tengan motivos para recordar a través de las canciones. Debes estar consciente de lo que significa esta industria y en base a eso, mantener la honestidad e integridad, que sin ellas dejas de ser humano, te consume la fascinación del showbiz. Divertirse, aprender. Hay una película genial que se llama ‘Jerry Maguire’, de uno de mis directores favoritos, Cameron Crowe, ahí el personaje de Dicky Fox le dice par de cosas a Tom Cruise: «La clave de este negocio son las relaciones personales», y «Rueda con los golpes. Mañana será otro día». También menciona que hay que estar en armonía con la familia primero que nada. Casi al final le dice: «No estoy diciendo que tengo todas las respuestas. He fallado tantas veces como he logrado el éxito. Pero amo mi vida. Amo a mi esposa. Y a tí te deseo mi clase de éxito».

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